Detta mästerverk av Giotto är pärlan i del Arena-kapellet. Kompositionens centrum är två nära ansikten: den döda Kristus och hans mor. Det är här som tittarens öga leder stenlutningen och de andra deltagarna i scenen. Jungfru Marias hållning, som böjer sig över Kristus och stirrar intensivt i Sonens livlösa ansikte, är mycket uttrycksfull. Den känslomässiga spänningen i denna ”bildhistoria” berättar aldrig tidigare – vi kommer inte att hitta analoger i den på den tiden målningen.
Symboliskt här är ”landskapet”. Stenlutningen delar bilden diagonalt och betonar djupet för den dödliga förlusten. Figurerna som omger Kristi kropp, med sina ställningar och gester, uttrycker olika känslor. Vi ser framför oss stoiskt sorg över Nicodemus och Josef från Arimathea, gråtande Maria Magdalena, klamrar sig fast vid Kristi fötter, kvinnor vinkar hand i förtvivlan och sörjer Frälsningsänglarnas död. Detta mästerverk av Giotto i koncentrerad form visar den innovativa karaktären i hans målning. Klyftan med den bysantinska traditionen som rådde inom medeltida konst markeras här kraftigt. Detta gäller absolut allt. Den heliga berättelsen förvandlas till en levande berättelse.
Det är i Giotto som målningen upphör att endast vara en extra kommentar till de heliga skrifterna och får en oberoende betydelse. Konstnären flyttar sig bort från stereotyper, vägrar ett starkt symbolsystem, han är intresserad av komplexa rumsliga och optiska effekter. Han är intresserad av världen i dess mångfald. Han är slutligen intresserad av sanningen om mänsklig känsla och mänsklig tanke. Hans karaktärer tappar sin tidigare ikonografiska bild – de är tjocka, breda ansikten, utrustade med ett ståtligt utseende, klädda i kläder och regnrockar med enkla snitt från tunga, monokromatiska tyger draperade i stora veck. Boccaccio skrev att konstnärens hjältar är helt levande människor, de kan bara inte tala.
Den viktigaste rollen i Giotto börjar spela färg. Han uttrycker nu inte bara och inte så mycket himmelssymbolik eftersom han hjälper till att ge verkliga övertalighet, plastvolym till figurer och objekt, för att skilja huvudpersonerna, avslöja kompositionens ideologiska betydelse. I sina kompositioner analyserar Giotto en persons själ, undersöker sina känslor, visar olika aspekter av hans karaktär, hans moraliska tillstånd. Religiösa scener skildrar han i den jordiska miljön, istället för byzantinernas gyllene jord har han ett landskap eller byggnader.
Några av de scener som Giotto lånar från byzantinsk konst, men återvinner dem, vilket återupplivar ett nytt liv. Ja, för dagens smak agerar konstnären ibland mycket osäker. Men vägen är schemalagd. Och den här vägen kommer att leda till högre uppehåll i renässansen. Det verkar som om Giotto och, säger, Michelangelo inte ens kan jämföras, men att Michelangelo, som vi känner, aldrig skulle ha hänt, hade inte Giotto tagit dessa osäkra steg, enligt vår åsikt.
De första stegen till den nya konsten Michelangelo själv förstod detta väl och uppskattade sin föregångares fördelar. Ja, och bedömningar av andra stora samtida och nära ättlingar talar volymer. De pratar om chocken som de upplevde från målningarna av Giotto. Låt oss ringa Dante, Boccaccio. Låt oss kalla samma Vasari.
(1 votes, average: 5,00 out of 5)