I norsk målning på åttiotalet av 1800-talet är det ”barnsliga” temat mycket populärt, oftast väljer konstnärer motiv för ett lidande, fattigt eller sjukt barn. Men när Munchs målning ”Sick Child” 1886 presenterades på Christiania-målarnas höstutställning, orsakade hon oväntat en uppsjö av smickrande recensioner: den konstnärliga allmänheten blev upprörd över valet av tema, utan av metoden för att förverkliga det på duken. Munchs målningsstil orsakade chock även bland väl slitna kritiker, som var bekanta med experimenten från de franska impressionisterna.
Konstnären visar en väldigt original struktur på brevet, helt täckt med små repor, som han applicerade med en kniv eller spatel på färgskiktet. Dessutom innehåller varje nytt lager mer och mer intensiv och djup ”grythål”, vilket indikerar den ökande känslomässiga stressen från författaren i processen att arbeta med bilden.
Om kritikerna visste om de personliga tragedierna som Munch var tvungen att uthärda i sin ungdom, skulle de antagligen ha behandlat författaren till ”The Sick Child” mänskligt och skulle inte ha anklagat honom för ”avsiktlig, fysisk dramatisering av motivet”. Efter att ha hänvisat till ämnet för ett barn som försvinner från en allvarlig sjukdom, återvänder konstnären mentalt till en fruktansvärd tid, när hans älskade syster Joanne Sophie, som dog av tuberkulos 1887, sakta försvann för hans ögon.
Denna djupt intima och behållna scen exekveras i dämpade gråtoner. Den bleka huden i patientens ansikte, inramad med rödaktigt hår, verkar nästan transparent mot bakgrunden av en stor vit kudde. Flickans klänning och kappan på hennes knä förstärker det ”passiva” ljudet på bilden. Den sorgligt böjda figuren i en mörk klänning smälter nästan samman med bakgrunden och symboliserar vissnande och död.
Från Munchs senare verk kännetecknas denna duk av dess engagemang för realism, även om det här också finns ett märkbart intresse för personens inre känslor och inte för hans utseende.
(1 votes, average: 5,00 out of 5)