Landskapsmålning har sitt ursprung i rysk konst mycket senare än porträtt och historisk bild. Först under det sista kvartalet av XVIII-talet bland ryska konstnärer stod en grupp mästare ut, för vilken bilden av naturen blev huvudspecialiteten. Under en ovanligt kort period, inte mer än två eller tre decennier, nådde landskapsmåleriet i Ryssland en hög konstnärlig nivå och tog sin rättmätiga plats bland andra konstgenrer.
Det är anmärkningsvärt att realistiska trender har uppstått med stor kraft i den första generationen av ryska landskapsmålare. Men i det tidiga stadiet av landskapsmålningens utveckling, i slutet av 1700-talet, begränsades önskan att verkligen återskapa naturen av ett helt system med konventionella tekniker och regler som går tillbaka till de allmänna principerna för klassismens konst. Bilden av naturen tilläts av klassisk estetik endast i form av ett ”historiskt” eller dekorativt landskap, och konstnärens uppgift var inte så mycket reproduktionen av verkligheten som dess idealisering. Landskapet målades inte från livet, men med hjälp av preliminära skisser ”komponerades” de i verkstaden och grupperade godtyckligt ett antal grafiska motiv – berg, vattenfall, lundar, ruiner etc. med förbehåll för en dekorativ uppgift.
På grundval av klassiska mönster utvecklades ett schema för att konstruera ett landskap, som i princip kokade ner till följande: vyn avbildades vanligtvis i djup, i bakgrunden och nära planer byggdes som teatraliska scener, som om att inrama en bild; utrymmet var tydligt uppdelat i tre parallella plan, varav det första betecknades brunt, det andra grönt och det tredje, det längsta, blåaktiga; övergångar från en plan till en annan beskrevs med hjälp av ett linjärt perspektiv, skärande föremål som blev som milstolpar i konstruktionen av det rumsliga djupet. Levande intryck från naturen skulle följa detta schema, och de realistiska ambitionerna från ryska konstnärer hittade en väg ut endast i sanningsenlig återgivning av landskapets detaljer och detaljer med den allmänna konventionen om bilden som helhet.
De första stegen mot befrielsen av landskapsmålning från konventionella schema gjordes vid början av 1700- och 1800-talet av konstnärerna M. Ivanov och F. Alekseev. Slutförandet av deras arbete föll till mycket av den anmärkningsvärda målaren Sylvester Shchedrin, som på tjugotalet av XIX-talet höjde den ryska landskapsmålningen till enastående höjder. Shchedrin passerade en akademisk skola under direkt övervakning av M. Ivanov och upplevde i hans ungdomliga år ett starkt inflytande av F. Alekseevs målning. Shchedrins tidiga arbete, som fortfarande förlitar sig allmänt på den klassiska traditionen, återspeglade förändringarna mot realismen som kännetecknar hans föregångares landskapsmålning. Redan under de tidiga dagarna av sin konstnärliga verksamhet drog han sig tillbaka från de ”sammansatta” landskapen och vände sig till den direkta reproduktionen av verklig natur. Men först på 1820-talet, efter en djup kreativ paus,
För att förbättra sin specialitet Shchedrin 1818 skickades till Italien som pensionär vid Academy of Arts. Rom ansågs under dessa år som världens konstcenter. Konstnärer, särskilt landskapsmålare, kom hit från hela Europa. De lockades av Italiens fantastiska förflutna, dess stora konst och fängslande natur. Här kan du träffa företrädare för alla sceniska trender och skolor. I den broderliga konstnärliga miljön i Rom vid den tiden utvecklades en atmosfär av internationell rivalitet, intensiv bildsökning, en intensiv kamp mellan det nya och det gamla; de reaktionära grunden för klassikerna mötte de avancerade trenderna för romantik, den framväxande realismen motsatt traditionella konstformer. I denna utmanande, Shchedrin, mättad med motsägelser, lyckades bevara självständigheten och den nationella identiteten i sitt arbete. Shchedrin tog omedelbart en framträdande plats i den romerska konstnärskolonin.
Han uppnådde snabbt erkännande i de bredaste kretsarna av den konstnärliga allmänheten. Endast ett fåtal kunde tävla med honom i styrka av talang och färdighetsnivå. Lärare – i ordets bokstavliga mening – fann han varken i den äldre generationen eller bland sina kamrater. Men nära kontakt med nya trender inom landskapsmålning var fruktbart för Shchedrin. Han absorberade ivrigt de överflödiga och mångsidiga konstnärliga intryck, och den krävande kritiska bearbetningen av dem tjänade som en kraftfull drivkraft för utvecklingen av hans verk. Tillsammans med de bästa landskapsmålarna i sin tid strävade han efter en sann överföring av naturen, för en livlig spontanitet av hennes uppfattning, för att studera den på naturen, men för att uppnå dessa mål gick han på sitt eget, ursprungliga sätt. Behärskar en realistisk bildmetod gick Shchedrin bort från individen, Analytiskt studerade landskapsdetaljer till en ny bild generalisering. Han kontrasterade dekorativa konventionalitet av akademiska landskap med en oklanderlig exakt reproduktion av världens materiella objektivitet.
Han tittade in i Colosseum och ruinerna av gamla Rom, som en porträttmålare kikar in i ansiktet på personen han skildrar. Redan denna övervinning av dekorativitet representerade ett avgörande steg framåt på vägen till realism. Ännu mer fruktbart och betydelsefullt var förändringar i attityden till själva verkligheten, i innehållet och tolkningen av naturbilden. Målningen ”Gamla Rom” var i huvudsak det sista verket skriven av Shchedrin med ett öga på det gamla akademiska sättet. Från antika minnen vände han sig till en levande modernitet och skrev nästa, 1825, bilden ”Nya Rom”, som, som det var, blev ett program för hans ytterligare konstnärliga uppdrag. Från och med nu lockas Shchedrin inte längre av storhetens förflutna, inte av den hårda skönheten i de klassiska ruinerna, utan av verklighetens poesi, naturens charm,
Den traditionella bilden av Rom, som den ”eviga staden”, födelseplatsen för berömda konstmonument och vittne om det stora folks tidigare ära, ger plats för en ny bild – bilden av det moderna Rom och dess vanliga, moderna liv, med fiskebåtar på Tibern och livliga grupper av medborgare i bildens förgrund. . Efter att ha övervunnit traditionen om det ”heroiska landskapet” och förståelsen av naturen som utvecklats av Kunstakademin som ett påskott för historiska minnen, vänt sig till levande, samtida verklighet och verklig natur, övervann Shchedrin också det konventionella akademiska schemat för konstnärlig lösning av landskapsteman. Det nya innehållet i bilden ledde till en ny bildform. ”Nya Rom” markerar en vändpunkt i utvecklingen av Shchedrins arbete. Från mitten av 1820-talet börjar perioden med den högsta blomningen av hans talang.
Allt det mest värdefulla i hans arv skapades just under dessa år. Två städer skrevs av Sylvester Shchedrin i Italien: Rom och Neapel. Det italienska livet förkroppsligas i dem båda som den bästa, huvudtiden för konstnärens egen existens och hans eget tema i konst. Landskap i Rom är introduktionen till historien, till den höga konstnärliga traditionen, Neapels landskap – introduktionen till det verkliga livet, brokigt, slarvigt och hänsynslöst. ”Nya Rom” är inte en pittoresk illustration av världshistorien, men en modern stad är vacker eftersom den naturligtvis kombinerade det stora förflutna och nutiden med all sin vardag. Staden, som har sitt eget unika liv, där människor och deras bostäder, vattnet i Tibern och båtar vid stranden, arkaderna till bron och slottets bulk, molnen på himlen och katedralen i katedralen utgör en helhet. Petra borta.
I målningen förmedlas allt detta av belysningens enhet och färgtonens enhet. Enligt hans samtida, ”detta verk var så trevligt i Rom att många ville ha det. Konstnären… var tvungen att upprepa detta utseende åtta gånger, men kärleksfull konst och natur, ville han inte vara en copyist av sitt eget verk. Varje gång han ändrade luft och ton bilder och därmed producerade åtta bilder, en och samma typ av representerande, lika original. ”
(1 votes, average: 5,00 out of 5)